小小视界
作者： 姚燚垚
博物馆里的微观艺术家
近水楼台先得月，作为博物馆的一名工作者，在大部分时间里，袁稷都在与博物打交道。但即便如此，他依旧把自己定义为一名摄影爱好者，一个在光学显微领域摸索了6年的资深玩家。
Q：为什么选择拍摄微距题材？主要拍摄什么主题？
A：当我开始把摄影作为一项终身爱好时，我考虑了很多领域。从工作、兴趣和资源等多方面考虑，最终选择了微距摄影。我经常拍摄一些以生命科学为主题的标本，使用广泛定义的0.5-2倍微距镜头，以及5倍以上的超微、显微镜头。
Q：在成为微距摄影师的道路上，遇到了哪些困难？
A：每个阶段其实都会有不同关卡需要突破，首先需要更多的科学知识和技巧，以便准确地拍出满足你视觉效果的照片。在中期，需要根据主题寻找合适的拍摄物。当你又有技术又有资源时，你会想要追求更加艺术化的表达。
Q：通常拍摄前，你会做哪些准备工作？
A：我认为最重要的是时间和心态，我的拍摄方式非常接近静物摄影，需要花大量时间在前期的准备中，从目标的选择开始，需要同步准备拍摄的方式和器材。当然还需要花一定的时间在目标的清洁上，毕竟超微拍摄太挑剔清洁度了。
Q：拍摄微距使用的相机和镜头有哪些？
A：我主要使用中画幅数码相机进行拍摄，富士GFX相机是我大部分主题创作的首选，超过1亿像素加上精准的色彩还原，在很多静物主题上有非常优秀的表现。同样地，在微距上我使用金宝微单轨系统进行转接拍摄，我最爱的微距镜头是罗德斯顿的105HR，通过金宝系统可以进行0.3-3X光学倍率的调整，并且移轴拼接合成。
Q：微距摄影里用到的特殊拍摄设备有哪些？
A：景深合成是微距摄影中必须学习的技巧，通过WEMACRO这类电动微距步进平台来实现精确到1um的步进拍摄，把不同的景深切片最终合成你需要的景深效果。
Q：最难忘的一次微距拍摄经历？
A：这张作品是从琥珀中发现的最古老的现存花朵，2022年2月1日以封面文章形式发表在国际权威期刊《自然·植物》上。图片中的琥珀化石里保存了全世界目前最完整的来自一亿年以前的花朵。白垩纪时期频繁发生的野火让这类被子植物的花朵、叶片、毛被等演化出对频繁野火的高度适应性。在恐龙繁盛的中生代的某一天，它被树脂包裹然后埋入地面，随着冈瓦纳古陆的解体和印度板块的北移，一亿年后又从缅甸的琥珀矿区被挖掘出来。而它的同伴却一直在南非的开普植物区生存繁衍。
Q：受到了哪些摄影大师、画册或影展的影响？
A：LevonBiss、YousefAIHabshi、JavierRuperez等国际顶尖的微距大师。
Q：如何培养摄影眼力，如何提高审美，有什么经验可以分享？
A：有选择性地多看各个类别的摄影作品，去解读拍摄者对作品背后的表达，同样地，在你遇到创作瓶颈的时候可以尝试一下其他摄影方向来获得灵感。就好比我，新入了天文摄影的坑，从极小到极大，是一种很奥妙的感觉。
Q：接下来还有哪些新的拍摄规划？
A：一方面今年可能会增加一些手机微距主题的拍摄，手机摄影设备的发展已经越来越接近相机的效果，同样在微距上，长焦微距会变成大家日常的兴趣点。另一方面，继续在生命科学中寻找主题性的创作，更加艺术化的科普摄影作品依旧是目前国内摄影领域相对少量的。
换个视角的另类画家
虽然在普遍的观念下，绘画是二维创作，因为我们只会从正面看一幅画，但它们是拥有厚度的。而无论是观众还是艺术家，都会习惯性忽略这个要素，但摄影却可以很好地捕捉到它。因此王曜一创作了这一系列作品，通过摄影技术，捕捉绘画作品里失落的维度，同样也是发掘绘画作品更多的潜能。
Q ：是什么让你最终选择成为一名职业摄影师？
A ：我通过持续的创作实践，探索了不同的艺术形式。我从小学习绘画，高中毕业后前往意大利读纯艺。面对浩如烟海的人文瑰宝和自然景观，我开始思考如何以不同的形式去记录并发展出新的故事。于是，开始了摄影创作。之后，我选择离开意大利前往美国继续学习艺术，此时我已经进行了数年的摄影创作并将摄影作为我的另一个主业。对我而言，摄影和绘画相辅相成，使得我在两种形式的创作实践中不断探索更多的可能性。
Q ：为什么选择拍摄微距题材？主要拍摄什么主题？
A ：微距是一个神奇的东西，在我的眼里它是一种失落的信息。因为这些都是切实存在的信息，但是人们很难通过肉眼去聚焦这个信息。因此这些美好对于大部分人而言就是遗失的美。而我的艺术理念就是“发现遗失的美好，并将其展现给世人”。因此微距摄影顺理成章地成为我的一个手段。
放大倍率是指被摄物体在 CMOS 上可以呈现的大小比例。这个数值越大，物体成像就越大，也可以简单地说就是越近。一般情况下，我们会使用各种微距镜头，当然也会使用长焦镜头，然后通过减少对焦距离来实现超高的放大倍率。
我微距的主题一直是关于绘画遗落的美。因为我的双专业背景，必然会面对一个老生常谈的话题：绘画和摄影有什么联系，它们又可否进行结合，无数人对此进行过尝试。
而我也在这个阶段找到了属于我自己的答案，在我的眼里它们本是同源，因为无论是绘画还是摄影，最终目的都是将客观世界中美丽的一隅通过艺术家的手再现于世间。而摄影和绘画不过是将其重现的手段罢了。因此我也意识到了另一个问题：摄影和绘画，我们都丢失了一些东西，而这丢失的东西就是我这组作品的灵感来源。
虽然在普遍的观念下，绘画是二维创作，因为我们只会从正面看一副画，但它们是拥有厚度的。而无论是观众还是艺术家，都会习惯性忽略这个要素。
但摄影却可以很好地捕捉到它。因此我创作了这一系列作品。通过摄影技术，捕捉绘画作品里失落的维度，同样能发掘更多绘画作品的潜能。这一切源于绘画，而不是绘画，但符合绘画的逻辑。所以这个系列叫做《何为画》。
这一系列作品本身是利用微距的方式，将绘画作品中最容易被忽略的侧面进行重构拍摄。
Q ：在成为微距摄影师的道路上，遇到了哪些困难？
A ：在早期摄影中最大的限制是镜头的使用。微距镜头种类繁多，并不是简单的百微。而因为我作品的特殊性，例如和拍摄物体间的夹角、灯光等问题。普通的微距镜头很难满足我的需求。因此，后期我经常是通过对长焦镜头进行改造，手动增距来使用。
Q ：通常拍摄前，你会做哪些准备工作？
A ：一般情况下我会先选择主题，例如这次打算重构哪些作品，这些作品是否适合我进行重构。然后考虑灯光情况，选择合适的镜头，包括三脚架等等。由于我本身更多的是进行个人艺术创作，所以还是相对自由的。
Q ：拍摄微距使用的相机和镜头有哪些？
A ： 我拍摄的主力机型是富士GFX100S， 镜头的话主力是富士龙GF120mmF4 R LM OIS WR Macro。
对我而言更多的是利用它出色的防抖性能，在美术馆之类的环境下，我可以更方便地手持拍摄。因为有时候一幅油画作品有几米长，我如果想要其中的一个细节，这是我唯一的选择。
Q ：微距摄影里用到的特殊拍摄设备有哪些？
A ：一般是微距灯，而对我而言最常用的是增距镜和近摄环。
Q ：最难忘的一次微距拍摄经历？
A ：我最难忘的就是《何为画》这一组作品，也是我第一次开个展的作品，在美国、深圳和重庆都有过展览，也是我持续在进行的一组作品。
Q ：受到了哪些摄影大师、画册或影展的影响？
A ：对我影响最深的摄影师是我在研究生时期的教授 Michael，他是一名伟大的摄影师，在美国颇有名望。他会问每一届新生一个问题：摄影的目的是什么？他也鼓励我思考摄影和绘画的关系与边界。把摄影作为一个工具，来表达我的思想，而不是被摄影这个技术束缚。
其中印象最深的一次是他和其他同学进行了关于决定性瞬间的讨论，他认为当你想要记录下什么的时候，这一瞬间已经过去了，因为你思考了，你按了快门，无论你的动作多快，这一瞬间都彻底消失了。这次有趣的讨论启发了我另一组作品《负一秒钟》，也间接帮我引出了《何为画》这一组作品。