2021被艺术治愈

艺术的痕迹

以下根据田霏宇口述整理：

整个世界正从停滞与伤痛中慢慢恢复，人们开始重新思考艺术的角色。在这之前，我们需要把艺术看作是一个空间，而不是一个市场。

对于跟你同时出现在美术馆的人，你们之间可能没有什么实际往来，但这样一种“共同在场”的状态确实成为艺术传播中非常重要的一个维度。从这个维度，不是只有一个人在看一幅画，而是众多临时加入的“身边人”让你与这个作品和一群人共存。半封闭的空间让身处其中的所有人将目光投注于作品本身，这样的聚合包括观众、展品、展厅内的环境以及参与策展的人。

还记得去年这个时候，我们无法在线下开展任何项目，被迫去思考如何将原有的工作延续下去。以互联网传输和即时通信为桥梁，我们仍然可以尝试建立超越国界与语言的人类精神共同体。在那一刻，将艺术的内容和形式从线下搬到线上不再是一种转换，而是一种加速。

我们不再去讨论场馆内的满足率，转而关注项目的传播速率，数据统计上的数字从“百”跳到“万”。在这缺失的“现场感”中，究竟有多少是艺术本身的力量，又有多少是平台和流量的加持？

拓宽渠道总能带来更多元的关注与思考。传统的观展方式拥有无可比拟的空间优势，比如展品的位置摆放顺序与空间内结构和光线的关系、导览员不经意间带出的话题、陌生人之间临时起意的交流;线上的观展方式则在同样的时间里将人们吸引过来，不见面背后的情感共鸣是非常神秘的，观展的人中有定了闹钟准点来的，也有甚至不知道怎么进到这个频道里的。突然之间，认知被打开了，我们一直以来在乎的“公共参与度”似乎没有被破坏，在以空间换取时间的转换中，艺术的可能性被再次放大，我们也开始盘点这种转换的可行性。

这当然不是二元对立的转折，而是一类及时的补充。相比在美术馆陈设的展览，讲座、讨论、演出或工作坊等一系列公共项目都适合在线上开展，但亲临展览的“现场感”仍然是不可替代的。比如UCCA在2019年策划的“毕加索—— 一位天才的诞生”呈现了中国迄今为止最为重要的毕加索作品展。这样一次大展的核心仍然是展厅里的真迹，无论使用哪一种媒介，都很难复制和传播亲临现场观展的感受，而最终我们在社交媒体和数字平台上看到的所有分享和传播都来自走进展厅的人。

一直以来，每一个时代的艺术家都试图跟上新潮流，随即带来全新的创作思路和实践过程。毫无疑问，这样的突破是勇敢且符合情理的。而真正优秀的艺术作品又一定能够打破时间和空间的限制，让观展的人都能从中获取信息、感受甚至解答。

作为艺术工作者，我们关心新状态，让现场体验更完善，从而辐射到一些无法来到现场，或是还没有决定要不要来到现场的人，并最终使他们与艺术发生联结，是我们承担的一份职责。

现在，我们正努力通过一种有效率又得到尊重的方式把艺术呈现出来。因为艺术的力量不可低估。

艺术的自我表达将成为更有力的声音

对于公共事件，艺术界从不缺席。艺术如何现身、如何存在、如何陪伴人们度过这段时期，将会成为艺术界未来长久思考的议题。艺术机构策划的展览和公共项目已经成为一种媒介，它巨大的传播性正在被放大。

体验消费带来新启发

随着实体经济达到一定水平，人们的消费行为将会向情感消费或者体验消费倾斜。如今，信息变得越来越透明。人们意识到交流与沟通的重要性，而艺术场所为灵感的交流与碰撞提供了全新的可能，相应地，艺术家也从中受到启发。

崭新的数字化运营模式

许多艺术机构已经意识到，搭建一个全新的数字后台和交互系统迫在眉睫。也许，美术馆的运营模式在未来会逐渐向互联网公司靠拢，这意味着更清晰的受众人群、更有效的策展思路、更广阔的渠道和全面可视化操作。

前所未有的观展方式

智能手机的普及催生了一种“随时随地可以进行观看”的行为。当然，新的观看方式的到来并不能全面替代传统的观展方式。美术馆当然希望人们来到现场，但在未来的日子里，坐在屏幕前观展会成为更便捷的方式，这也意味着艺术将被更多人接受。

美术馆之间的巧妙联动

这一年来，欧美国家的知名美术馆相互借作品已经不稀奇，这也恰好符合当下的艺术联动。国内的美术馆也开始借鉴，比如美术馆与美术馆之间的艺术联动、美术馆与商业综合体的相生相伴。随着艺术生态发展得越来越成熟，这样的合作一定会越来越多，或许过去的一年只是开始。

爱丁堡国际艺术节“我灯犹明”

待到艺术演出恢复时，人们对在真实空间中相聚一堂同观共赏的渴求和感念亦会一触即发、如获新生。

去年4月初，刚公布节目日程不久的爱丁堡国际艺术节（Edinburgh InternationalFestival）宣告取消当年的节庆。这在艺术节74年历史上是破天荒的头一遭。“其时距原定开幕时间仅余4个月，艺术节团队面临一个巨大挑战，即如何在限制条件下，在短时间内将艺术节转运到一个全然不同的平台上。”策划总监Roy Luxford如是说。

爱丁堡号称“节庆之城”，全年庆典不断，夏季更是连轴狂欢。创始于1947年的爱丁堡国际艺术节每年8月拉开帷幕，众多世界一流的剧团乐队接连3周轮番献艺;“千禧年”后，更常有名家剧目、曲目在此做世界首演。其间亦有展览、工作坊、论坛等各种活动。同期进行的还有爱丁堡国际艺穗节（TheFringe）、国际图书节，以及爱丁堡艺术节（Edinburgh Art Festival，偏重视觉艺术），让8月的苏格兰首府成了全球文艺爱好者的终极去处。

新冠肺炎疫情令这个文艺盛世戛然而止，第74届国际艺术节被迫转移至网络。8月8日，一个名为“我灯犹明”（My Light Shines On）的项目在艺术节官网和相关平台上亮相，这是一系列特别录制的专题和演出。与此同时，接连三晚，艺术节在城中的主要演出场地都亮起了灯光——这是灯光师从剧场“幽灵灯”传统（一盏始终燃着的灯）获取的灵感。其传递的信念明确：尽管此刻舞台空荡，但有朝一日，欢笑、泪水和掌声必将再度充盈这里。“我灯犹明”是苏格兰摇滚乐队“原始呐喊”（Primal Scream）的一句歌词，曲中洋溢的乐观情绪对疫情之下的人们不啻一种巨大的鼓舞。

现场表演变成线上演出，艺术节团队力图在数字空间内为更广大的观众群体提供新的文化经验，不只是弥补观众无法现场观临的遗憾。“我灯犹明”系列节目在各平台上累计获得过百万人次的点击量，观众遍及47个国家。然而线上观看效果受硬件设施和播放环境的影响，难以保证质量。更关键的是，它永远不能替代现场——会面社交的空间，它是观点和灵感汇聚交流的场所。

其实无论危机存在与否，艺术节始终在探索应用技术的创新，让艺术获得新的表达和显映。照亮爱丁堡城堡的“我灯犹明”项目可视作艺术节在城市公共空间的呈现和扩展;一年前，他们在泰因河城堡球场推出了大型免费音乐会，坐镇的是鼎鼎大名的洛杉矶爱乐。这样的经验鼓舞着他们在当前的条件和变数之下，按照防疫要求，筹备今年这个规模缩小而意义巨大的艺术节。节目日程还在紧锣密鼓的策划和安排中，可在官网（eif.co.uk）上查询具体信息。

我们不妨把目光放远，回到爱丁堡国际艺术节的起点。第二次世界大战结束后的第二年，年过七旬的指挥大师布鲁诺· 瓦尔特执棒维也纳爱乐，在艺术节主场馆亚瑟厅举办了一场别具深意的音乐会。音乐会始于贝多芬的《田园交响曲》，终于马勒的《大地之歌》。《田园交响曲》让人思索自我、追怀自然;而脱胎于唐诗的《大地之歌》更是传递出跨越文化壁垒、欢庆人性胜利的普世信念——这在眼下尤为宝贵。疫情让我们反思人与自然之关系，探索跨国协作之方案，而艺术始终是人道的见证、智慧的呈现、勇气的源泉。

上海双年展如水一般

当艺术圈踩了急刹车，却激发了人们对艺术与社会关系的更深层反思，让艺术成为社会生活的一部分。

今年上海双年展的主题以“水体”为名，如水一般，柔软又刚强，去适应万物的形状，同时又呈现出时代的变化与未来性。

显然，本次上海双年展的筹备也受到了疫情的影响。策展团队不能像以往那样走访各地的艺术家和艺术机构，部分展览也可能通过线上进行。策展人之一由宓却认为：“疫情让基于环球飞行、曝光与社交的艺术圈踩了急刹车，从而激发人们对艺术与社会关系的深层反思，让艺术更成为社会生活的一部分。”