中国画的笔墨之道

中国山水画中的“笔”，通常指勾、皴、擦、点等笔法和下笔的轻重、疾徐、曲折等变化;“墨”通常指烘、染、破、积、泼等墨法和干、湿、浓、淡等变化。而水的巧妙运用则是笔与墨完美结合的关键所在。

用笔与用墨两者之间既有区别又有联系。清人龚贤讲：“笔墨非二事也。”笔是中国画的筋骨，墨是中国画的血肉，两者密不可分。笔处于主导地位，而墨随笔而出。没有纯粹的有笔无墨，也没有纯粹的有墨无笔，它们是画家学养和内心世界的一种自然流露。评画也离不开笔墨，论气韵先看笔墨，舍笔墨则无以看气韵。

中国画的用笔是从传统书法中得来的。书法中起笔、行笔、顿笔、收笔的规律都深刻影响了中国画的用笔。以书入画是对中国画用笔的一种要求。纵观历史，一个时代的书法倾向对绘画的用笔有很大的影响。如唐代绘画，以楷书入画，用笔注重按，转折比较方硬;元人变为以行书入画，行笔疏放飘逸;明人有以草书入画者，如徐青藤等，董其昌则提出当以草隶奇字入画;清代碑学大兴，不乏以金石意味浓厚的篆书入画者，代表人物如金农、吴昌硕、齐白石等;潘天寿、李苦禅等近现代画家都有着很深的书法造诣，他们都善于用笔。这充分说明书法对绘画用笔有着深刻影响，也使得中国画始终保持着一种文人书卷气，体现了中国文化内在的血肉关系。

中国画用笔需有虚有实，讲求“实处要虚”“虚处要实”，只有虚实得当，画作才能通体灵动。宋代之前的画家用笔较实，元代之后的文人画家用笔虚多于实。对此，清人恽寿平说道：“古人用笔，极塞实处，愈见虚灵……虚处实则通体皆灵，愈多而愈不厌。”由此可见虚实结合在传统绘画中的重要性。

当代中国画坛百花齐放、百家争鸣，而中国画的风格也有着多样化的发展趋势，比如追求画面中的点、线、面的创新构成、绘画过程中“肌理”的创作、画面上特殊符号的应用，以及各种特殊材料的使用，等等。这些作品与传统绘画相比，有其创造性和独特性，看了让人眼前一亮，但是在一定程度上削弱了笔墨的表现性，破坏了笔墨之道最宝贵的东西—用笔行墨中所传达的真切、直接的情感。不过中国画是需要创新的，创作者既要敢于打破传统，又不能过分脱离传统，应在传统绘画的基础上求新。画家要与时俱进，深入地研究中国画笔墨的艺术再现性，创作一种符合新时代的笔墨形式，以更好地表现新的生活，并赋予笔墨新的意义和内涵。

2015年，《庭院秋声》在中国美术家协会主办的第二届“朝圣敦煌”全国美术作品展中荣获“优秀奖”（此展最高奖）。