“国家英雄”安塞尔·亚当斯100年

（文 / 耿斐斐）

安塞尔·亚当斯的作品 

安塞尔·亚当斯  

7月11日，为了纪念安塞尔·亚当斯这位生于美国旧金山的艺术家诞辰100周年，纽约现代艺术博物馆举办了“安塞尔·亚当斯诞辰100周年摄影艺术展”。展览展出了这位受爱戴的摄影家和自然主义者的100多幅摄影作品。该展览是自1984年亚当斯去世后，对他的首次重要评价展览，此次展览称他为20世纪伟大的当代艺术家之一，并对其美学手法做出重新定义。

在占地16万平方米的纽约现代艺术博物馆皇后区新馆内，安塞尔·亚当斯的作品只占了约1/5的面积，但是却在短短数周内吸引了来自世界各地的上万名参观者。负责这次展览的约翰·萨克斯基说：“这项展览的目的是呈现亚当斯的艺术家一面，而不只是一位自然资源保护者、政客或是摄影老师。”萨克斯基历时4年，从公共及私人收藏品中寻找亚当斯作品的最佳冲印版。本次展览有些作品大众已经非常熟悉，但有1/3的展览品是未曾公开的珍品。

安塞尔·亚当斯(1902～1984)是20世纪最多产、最具有历史价值的摄影家之一，集摄影教育家、作家、自然保护先驱于一身，他把一个音乐家的文化素养融入到风光摄影之中，在风光摄影领域获得了几乎无可匹敌的威望，被尊崇为20世纪最卓越的风景摄影家，并被称作美国摄影界的“国家英雄”。

亚当斯是一名商人的独生子。他幼年时出现过动或阅读困难问题，因此在学校的表现不佳，他最后是以自学方式达到相当于八年级程度的学历。但他自幼热爱钢琴演奏，立志做个音乐家，后因练琴过度危害健康，14岁前往加州的优诗美地疗养，在那里亚当斯邂逅了摄影，从此每年回到优诗美地拍照，并成为环境保护人士。1932年，他与爱得华·魏斯顿(Edward Weston)、韦拉德·范戴克(Willard VanDyke)等人同创光圈六四(f/64)，相信照片应有极致的焦距、清晰感和深度，致力于表现，探讨“朴素摄影”(纯摄影)之表达潜力。亚当斯通过分区曝光对底片上的潜影进行控制，在通过胶片显影的过程控制影调的压缩与扩张，从而得到高质量、层次丰富的影像，且使他在拍摄时能预先知道色调，来决定曝光和冲洗放大的时间，这就是它所创立的著名的“分区曝光法(Zone System)”。几十年来，摄影工作者纷纷以他的独创技法作为追求完美摄影品质的最高指导原则，确立“冲印照片的过程也是一种艺术表现”。

30年代至40年代初期，是亚当斯创作的精华时期。他一再提倡，一个摄影家必须具有一种预见力，在拍摄之前应该能够见到照片的结果。他指出，预见“就是用心灵的眼睛看出最后照片上将要表现出来的意义、本质、形态、质感、色调和明暗关系”。他的名作《月升》，几十年来一直都吸引了世界各国成千上万的摄影师和旅游者到亚当斯拍摄地——美国西部的优诗美地国家公园(YOSEMITE NATIONAL PARK)寻找那动人的景色，然而，至今仍无一人能拍到同样的照片。另一幅《约塞密提山谷的雷暴雨》曾使无数人被那自然的雄奇奥妙所吸引和征服。亚当斯常年翻山越岭，用全部心思去观察丛林峡谷中的光影和山巅上的变幻莫测的风云，这些一旦被他捕捉住，构成作品的画面时，就会成为令人感叹不已的壮丽奇观。有的评论家说，亚当斯的“直接风景照片其热情、活泼、豪壮，恰如瓦格纳的歌剧”，亚当斯用摄影的独特语言宣布“摄影是真正的艺术”。

亚当斯的黑白影像呈现出细微的纹理及独特的光影。他经常露出一截天空或前景空地，但将焦点集中在一株枝干、一片田野或一块巨石上，并以写实的手法呈现出画面主题。他在暗房中经常将一张底片冲印数百次，以寻找最能呈现他作品主题的影像。亚当斯的黑白摄影，曾在本质上改变了19世纪以来美国的风光纪实摄影。亚当斯传记的作者之一玛莉·亚林德说：“亚当斯希望的不只是从相机镜头捕捉到的真实感，而是更高层次的展现。”

亚当斯于1962年从旧金山搬到卡迈尔南部，一处可以远眺大索尔(Big Sur)海滩的地区，并将他的大部分时间投入于摄影教学。70年代开始，亚当斯花费更多的时间在暗房作业，才足以满足为数可观的订购者的期待，他的摄影作品销售量在世界上的市场占有率高达半数，从而成为1979年10月的《时代》杂志封面人物。

亚当斯在世时虽然已享有盛名，但在经济上只能维持温饱而已。他去世后，网站上的画廊所收藏和可供出售的原始作品是世界上最多的。从8×10英寸的每幅2000美元，到墙上悬挂的每幅5万美元不等。如今，负责管理亚当斯作品印制而成的书籍、卡片及月历的“安赛尔·亚当斯信托基金会”的威廉·特纳吉表示，这些产品每年可以卖出50万件。他说：“亚当斯是在美国印刷产品销售最成功的单一艺术家。”